C調の典型でもある祝典的な雰囲気。しかし純粋の祝典としての作曲でなく、あくまでその頃の交響曲においてC調の特徴を持つことに終始。
第1楽章の第1主題は、和音を基調とした単純な旋律だが、その後のゆったりとしたテンポの旋律とも対比される。　
　2013年9月15日　追記。この第1楽章の第1主題は、他にも交響曲にも類似箇所がある。調こと違うがNo.45が相当。テンポは、Alleglo　assai　でほぼ同じ。２小節の下降音から構成される。No.56は３小節めで直ぐに、pに減じる。一方、No.45は、３小節目でも減じることもなく、４小節単位の主題が、色々と変えながら繰り返しがある。同じ作曲家の作品で、曲の出だしが同じでも調と強弱の違いでこれほど曲の雰囲気が、がらりと変わるのには敬服する。
　展開部で各弦のsoloと全体の演奏の調性の対比もあり、不気味な雰囲気。展開部で扱われる動機は少ないが、小節数が長く曲想の変化が特徴。提示部と比較して再現部はややカットされるが、短いながらもcodaが心地良く締めくくる。
　第2楽章は弱音器vn.はいつもの通りであるが、ob.とfg.のsoloが随所に聴かれる。しばらく採用されなかった合奏協奏曲のスタイル第1‐2期の雰囲気。obのsoloは、ユニゾンだったりsoloだったり。2本の細かい動きが良い。fg.もかなりの高音域であり音色の工夫が見られる。第4楽章はPrestoよりも速いテンポ表示だがフィッシャーでは、それほど速くない。通して聴くと祝典的な雰囲気はNo.48と同じような感じ。しかし冒頭に記述した様に、祝典というイベントとしての交響曲でないことがNo.48とは異なる。逆に 祝典的な雰囲気はNo. 48が頂点であると改めて思う。
　ドラティ盤は、第1楽章の展開部で弦のsoloはなし。Adagioは普段は、ｓｏｌｏは目立ちにくいが、この演奏では2本のob.を含めた音色がかなり明瞭に聴こえる。
（2020年1月1日追記　タグとして2011年1月23日とする）

2012年12月23日　デイビス盤を聴取。もともとデイビス盤はゆっくりしたテンポが多いが、３者の中でもこの第1楽章は、フィッシャーやドラティ盤よりも顕著。またcmb．の扱いも久々装飾的な箇所が多い。(弦楽器の旋律に余り動きがない箇所に、活用している）　cmb．の役割は第2楽章で顕著になる。
　Finaleのテンポ指定が、pretissimo。弦楽器の各パートが同じような旋律をユニゾンで引く。奏者の技量が少しでも劣ると、このアンサンブルのズレが目立ってしまう。初期の頃にもこの様な雰囲気はあったが、この時期には珍しい。第2楽章の楽器の扱いこそfg.などは、初期の頃にはないが少し前にも戻った雰囲気。
井上著のこの部分では、奏者のアンサンブルの点にも記述。当時のこの楽団の技量は、やはり高かったと賞賛。

2013年9月11日　追記。ホグウッド盤を聴取。第1楽章の再現部　T222で、timp.を含めた、フェルマータがある。この部分では、弦楽器のパートは、　p　の指示通常通りの奏法に終始をする。管楽器が休むの中で、tmp.は、tenutoの指示でトリルになっている。休止の部分が多く強弱の激しい楽章の中で、僅か１小節ではあるがtimp.のsolo演奏が堪能できる。このホグウッドでは、この細かい音色が聴き取れる。
　一昔前の作曲の雰囲気がこのAdagioは支配。エステルハージ楽団の奏者、特にfg.を含む管楽器のsoloを楽しむには、このAdagioはとても魅力的。もう少し前の作曲スタイルであったら演奏時間も、もっと短くなっていたかもしれない。しかしこの曲では141小節もある。１小節の中でもスコアでは、細かい強弱の指定の記載が多い。
　井上著の冒頭の部分で、指揮者　岩城宏之のことが記載されている。岩城宏之「楽譜の風景」の本の中で、「ハイドンは苦手」と書いてある。その理由は、「ちょっと調べてみると、フレーズの入り方など、モーツァルトやベートーベンよりもはるかに複雑で、第1、アンサンブルの難しさは後期ロマン派の作曲家たちの作品の比ではない。」と記述がある。ハイドンは一筋縄では、捕まらないとの引用がある。「この表現が、どこの曲にあてはあまるか？」と考えてみる。そうすると、このAdagioがそのひとつではないか？　1小節のなかでも、各パートが強弱記号の指定が細かくある。全体で使用する楽器は、ロマン派の時代19世紀以降と比べると遥かに少ない。それにも関わらず、楽器の使い方一つをとっても、細かいニュアンスの箇所が多い。一筋縄ではいかないハイドンを知るには、このAdagio楽章が正に典型的な一つだと思う。ホグウッドの演奏では各楽器の溶け合うような美しさを堪能できる。また井上著の本でも、このAdagio楽章が大きく推薦。No.55から通して聴くと、同じ頃の作曲でありながら各楽器の活躍や明るいC調の雰囲気とも相まって、とても対照的。
　　それに対して、プレスティッシモ(できるだけ早く)の指示指定のFinale。無窮動の旋律が大半でありながらも、強弱の細かい指定がいたるところにあるベートーベン　第7番交響曲の第4楽章の動きにも、少し似ているような感じがあるかもしれない。しかしながらその根底には、演奏技術の高いアンサンブルがあって明るい雰囲気で締めくくる。その雰囲気は、やはりハイドン独自のものである。No.55（通しNo.では一つ前の55)では、ホグウッドならでは、特徴は余りなかった。それに対してこの曲では、いたるところに、ホグウッドならではの特徴を満喫できる。３者の演奏以上に推薦したい。

2015年4月24日　追記。No.56から引き続いてゴバーマンを聴取。54から57までは、自筆楽譜が存在し作曲年が1774年と確定している。まとめて続けて聴取するのがベター。こちらも、第2vn.の、どきどき分かれた旋律が、明瞭に聴き取れるが、No.56ほどは余り目立たない。
　むしろ第1楽章は、timp.の独自の動きに注目したい。自筆楽譜が存在し、最初から打楽器が入っている。作曲者も、このtimp.の活躍は常に意識していたようで、T　221のtimp,のTenutoの部分。ここでは実質　soloの箇所。ゴバーマンではトリルでの演奏に注目。Timp.がいたるところで活躍し、あたかも　パリセットのNo.86のFinaleのような雰囲気。　第2楽章は管楽器がいたるところにSoloの箇所があるのと同様に、もはやパリセットを先取りしている。
　2つのvn.パートの聴き所は、この曲では第3楽章のMenuetのほうが面白い。72小節もあり、展開的な中間部を挟む。「ｆ」指示による、全パートと、「ｐ」指示の第1vn.のパートの対比が、ゴバーマンの演奏では良く分かる。Finaleも同様で2つのvn.パートが同じ旋律を引いたり、ときには第1vn.のみの箇所もある。この対比が良く分かる。強弱をつけた曲想のめまぐるしい変化がこのゴバーマンでは堪能できる。
　No.55では、緩除楽章の細かい弦の対比が特徴に対して、この曲では単一主題に近いTuttiの箇所と、第1vn.の「p」の箇所との対比が、面白いように分かる。２つの曲を比較的、近い間で聴くことでこの特徴が分かりやすい。vn.パートが左右に分かれている特徴のひとつ。